2 Monos


2monos.com

2monos” es un proyecto híbrido , auto producido y conceptualmente libre, nacido de una arquitecto y un escultor, en el intento de desafiar todas etiquetas preestablecida de arte, diseño y arquitectura, y afinar el sutil campo existente entre ellas. Compuesto por Nicoletta Mantoan y alejandro Dumon Estrades.” 

Nicoletta Mantoan se titulaen arquitectura en Venecia en el 2005; trabaja en Italia donde realiza los primeros proyectos en Milán y Bassano del Grappa. Más tarde trabaja en Alicante y Palma de Mallorca, en el estudio CBR/6/arquitectura, donde colabora entre otros con el arquitecto Mathias Klotz.

Alejandro Dumon Estrades, licenciado en Bellas Artes en Barcelona (2004), se especializa en escultura y empieza montando su primer taller de hierro en Mallorca, realizando obras propias y colaboraciones. Participa en colaboraciones y en exposiciones monográficas y colectivas en Barcelona y en Mallorca. En 2007  funda el colectivo En la espera te esquino, enfocado al arte experimental.

2monos ha participado en el programa de proyectos Artísticos Tecnológicos dek ECT Casal Solleric (Palma de Mallorca. 2013) dentro de su programa de producción de proyectos tecnológicos, con la instalación de Átodos: en la primera edición de ARTNIT_Campos (Mallorca 2012), con un proyecto interdisciplinario a través de la performance EatArtbre; en la Exposición Variaciones sobre sólidos. Elementos (Bassano del Grappa, Italia. 2012); en la presentación del proyecto Linia D/DissenyDeixalles/ (Palma de Mallorca. 2011); en el evento multidisciplinar Made Mallorca Design de la Fundación López-Fuseya con Constelaciones. Arquitectura de luz (Palma de Mallorca. 2010); y en la galería-showroom Louis 21 con AD-Arquitectural Digest (Palma de Mallorca. 2010), entre otros.


Adriana Meunié


adrianameuni.com




Adriana Meunié (Mallorca, 1985) Titulada en Diseño de Moda (Escola Superior del Disseny BAU, Barcelona) cuenta con dos cursos de inicio al telar (Teranyina, Barcelona), mundo en el que indaga actualmente mientras busca la fusión entre las técnicas ancestrales y las modernas. Ha trabajado en cine, como ayudante de vestuario de la película El cadáver (2014, Barcelona) y como ayudante de vestuario de los Premios Gaudí (2011-2012); En 2011 crea y distribuye su colección personal de camisetas con el sello Kamis Kill. También ha preparado colecciones de moda en Berlín (Bombón Casero para la boutique Sameheads, 2012), ha expuesto sus cuadros hechos con tela en el Sadnha Estudio de Palma (2011) y ha trabajado en Berlín como ayudante de diseño de moda con Frida Weyler, y como ayudante de vestuario en Theater im Palais, entre otros. 


Arantxa Boyero

arantxaboyero.net



“Me interesa la sociedad en la que vivo y el papel que desarrollan las mujeres de mi generación en ese contexto. Temas como la intimidad, las relaciones, el consumismo, la sexualidad, la cultura y las tradiciones y forman parte de mis proyectos. Denomino 'mini-acciones' a todos mis trabajos y me sirvo de técnicas como fotografía, performance y vídeo para llevarlos a cabo. El proceso de documentación que empleo en la elaboración de los mismos parte de mis experiencias autobiográficas. Utilizo la re-interpretación, la re-acción y la experimentación como recursos para reflexionar y materializar pensamientos cotidianos.”


Arantxa Boyero (1982, Colònia de Sant Jordi, Mallorca). Titulada con el Master de Fotografía Concepto y Creación en EFTI, Madrid (2007/08), estudió Fotografía Avanzada en The Dark Room, Florencia (2006) y posee el Ciclo Formativo de Grado Superior de Fotografía de la Escuela Superior de Diseño de Palma de Mallorca (2002/05). Actualmente, vive y trabaja en Madrid. Desde el 2005 realiza exposiciones individuales: Mi Museo Cerralbo y Mi Museo de Antropología (Addaya Centre d´Art Contemporani. Alaró, Mallorca. 2013); Lola te quiero y ellas (Addaya Centre d´Art Contemporani. Alaró, Mallorca. 2010); Bodegón (Espacio Abierto EFTI. Madrid. 2009) y Josefa y Jerónima (La Misericòrdia. Palma, Mallorca. 2005). Ha participado también en numerosos screenings y exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional, entre ellas: Jääl Photo (Factoria de Arte y Desarrollo, Madrid. 2014); Casa//Arte (Addaya Centre d´Art Contemporani, Madrid. 2013); Nio 2. Segunda Muestra Internacional de Videoarte (Pereira, Colombia. 2013); Marca España (Europe Creative Center ECC, Berlín. 2013); Region 0, Festival de Vídeo Arte Latino (Centro King Juan Carlos, Nueva York. 2013); Pasión, Fotografías en la Azotea, Círculo de Bellas Artes, Madrid (2012) o PhotoPhnomPenh, Camboya (2011).



Arti Leimbacher 

artileimbacher.com


La virginidad de Mallorca fue lo que más atrajo a Arti Leimbacher de nuestra isla. Una virginidad que sigue buscando en cada obra que realiza. De ahí la gran presencia de animales en su producción: corderos, perros, hormigas, conejos... En la misma línea, la naturaleza juega también un papel fundamental, que el artista trata de manera muy diversa, desde la compartimentación en un mosaico de fragmentos en las obras de la serie “Campestre” hasta la experimentación directa con maneras de ahorrar agua para sembrar. La virginidad que busca el artista refiere a algo esencial, que se respira también en cada retrato, en cada escena de la vida cotidiana.


En este sentido no es casual que antes -hace años ya- practicara la abstracción en pintura, pues se llegó a ella buscando lo esencial, desnudándola de contenido para encontrar aquella virginidad, algo casi religioso. Pero Arti ya no lo encontraba en la abstracción, por eso volvió a las fuentes, a la simplicidad de la vida cotidiana: a los corderos, cerdos y otros animales, como versaba el título de una exposición suya. De la misma manera que Franz Marc encontró la pureza en los ojos de los animales, Arti ha captado este sentido que adquiere todo en la contemplación de cosas tan simples como las ovejas pastando, un perro tumbado en la sombra de un árbol... en el mismo sentido que los personajes de Dostoievsky encontraban a dios en la contemplación de una flor.


Esta búsqueda de lo auténtico es lo que subyace tras la multidisciplinar producción del artista -que puede comprender también el soporte digital o la instalación-, difícil de encasillar en un estilo concreto, porque las características que se podrían abstraer de algunas obras se verían anuladas por otras: el trazo nervioso y espontáneo, característico de la mayor parte de su producción en la serie Campestre deviene detallista i minucioso; el acabado pulido y detallado de los platos y figuras de la serie Frogs and others deviene vibrante y esquemático, casi como un esbozo, en las esculturas de los “Plasmagodis”. En este sentido tampoco se limita a plasmar la inmediatez de lo cotidiano, encontramos series más introspectivas o con un trasfondo crítico, como en las “pinturas negras” de la serie Mayday Malen, o la explícita crítica al mundo oficial del arte que encontramos en la serie Art Moderne de la brosse avec le bouquet de l'ocre, en su línea que oscila entre la visión crítica y el humor.


Arti Leimbacher (1956, Berna, Suiza). Estudió Bellas Artes en la ZHdK de Zürich (1977/78) y en la Académie Charpentier de París (1979/80), y cinematografía en la ZhdK de Zürich (1983/84). Vive en Mallorca desde 1986 y ha participado a lo largo de los años en diferentes proyectos artísticos dentro y fuera de la isla. Fue artista y colaborador de Lacasadelcactus y cofundador de “Capdesmoro Al Quinto Pino Art Club”. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas como “Nature morte oder die Abdankung im Wöschhüsli”, en Frauenfeld (Suiza,1980), Xots, porcs i altres animals” en la Galeria Kunstmann de Santanyí (Mallorca, 1996), “Ultramarinos”, Lacasadelcactus en el Institut de Cultura, La Capella, La Virreina, (Barcelona, 2001), “Animalia” en Can Gelabert, Binissalem - Museu de Mallorca, Palma, (Mallorca, 2001), “Arenas movedizas” en el Festival Cabueñes, Centro de cultura Antiguo Instituto Jovellanos (Gijón, 2002), “Wakumomi” en Shedhalle, Rote Fabrik, Zürich (Suiza, 2005) y en Trudelhaus, Baden Baden CH (Alemania, 2006) o Memòries d'un turista en la Església Vella de ses Salines (Mallorca, 2009).


Catalina Obrador


Lo sé, sólo somos inútiles formas de la materia, pero bien sublimes.

Stéphane Mallarmé

 

La cita de Mallarmé no es fortuita a propósito de la obra de Catalina Obrador, pues analizándola en detalle te das cuenta de cuan simbolista es. Precisamente a poetas como Mallarmé se debe la libertad formal -en el caso de la poesía a través de la instauración del verso libre- que caracteriza el simbolismo, puesto que es un movimiento más de contenido que de forma, siguiendo la estela de la línea romántica de la historia del arte. Una línea que no empezó ni acabó con el movimiento romántico del siglo XIX y en la que se podrían adscribir artistas tan diversos como el maestro de Taüll, El Bosco, William Blake, Gustave Moureau, Max Ernst, Paul Klee, Marcel Duchamp, Hannah Höch, Marc Chagall, Marcel Broodthaers, Joseph Beuys, Jean Michel Basquiat, Nancy Spero o Marina Abramovich, por citar algunos. 

Mallarmé pretendía, en palabras de J. F. Chévrier “reinstaurar el misterio en la experiencia poética, entre los vestigios de la fe y los ornamentos de la cotidianidad”*. Ninguna otra afirmación podría definir mejor la obra de Catalina Obrador, una obra reticente a las etiquetas formales que se puede manifestar des del más absoluto automatismo a un detallismo minucioso. Y es que, como en el simbolismo, el arte es para esta artista una vía para la búsqueda interior y la verdad universal, a través de temas como la religión o la mitología, entre otros. La suya es una pintura subjetiva, narrativa, a menudo onírica, a veces decorativa, como se puede ver, por ejemplo, en los elementos vegetales que afloran en “Le desir liberé” entrelazándose y fundíendose con el original lienzo -material usado usualmente por la artista-. Recordemos la figura de Gustave Klimt y como, en parte, el simbolismo derivó en el Art Nouveau. 

Como la de aquel movimiento, la pintura de Catalina Obrador es una pintura de ideas, que usa el símbolo como instrumento para transmitir todos aquellos elementos que forman parte del universo en su vertiente irracional e inmaterial. Símbolos propios y otros extraídos de las antiguas religiones mediterráneas, como la egipcia o el judaísmo, se entremezclan en los dibujos y pinturas de esta artista que no dan la espalda a la realidad cotidiana, sino que la integran -a veces en forma de frases escritas- despojándola de la aparente banalidad y otorgándole así nuevos valores que adquieren sentido en el marco de una cosmovisión particular que tiene mucho, sin embargo, de universal.

*CHÉVRIER, Jean-François: “Art i utopia. L'acció restringida” en “Art i utopia. L'acció restringida”, [cat. exp., Macba, junio-setiembre, 2004], Ed. Actar, Barcelona, 2004, página 14.

Catalina Obrador (Santanyí, 1977) estudió en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Ha viajado a Sudamérica y Oriente Medio. Ha vivido y trabajado en Madrid, Cuenca, Caracas y Berlín. Actualmente vive y trabaja en Mallorca. Su obra ha sido representada por la Galería Rafael Pérez Hernando en les ferias Art fair Cologne (Alemanya, 2005), JustMad2 (Madrid, 011) o en el programa “Expanding Drawing” en Espacio Atlántico (Vigo, 2011). Ha realizado performances y participado en numerosas exposiciones colectivas como “Pasen y vean” en el CCCB (Barcelona, 1999), “Guano Host” (Santanyí, 2001), “Oxigen” (Binissalem, 2005), “50 años pa na” (Cuenca, 2006), “Open End Session” en Al Quinto Pino Art Club (Mallorca, 2009), “Errequerre” (San Sebastián, 2011). Entre sus exposiciones individuales destacan “Animetes” en la Iglesia de Cala d'Or (Mallorca, 2003), “Diálogos Feroces” en la galería Rafael Pérez Hernando (Madrid, 2007) “Flash me” en la Galería J.M. (Málaga, 2008) o “Pluma y tinta” en la Galería Rafael Pérez Hernando (2012, Madrid).

Sus dibujos han sido publicados en el libro de Francesca Gavin “100 New Artists” (ed. Laurence King, 2011). El año 2012 realizó la escenografía de la obra de teatro “Parasceve” escrita por Blai Bonet y dirigida por Jeroni Obrador.


Esther Roca Olivieri

rocaolivieri.es

Como una alquimista, Esther Roca realiza sus acuarelas con pigmentos naturales procedentes del vino y sus subproductos. Esta autora utiliza vinos tintos y blancos de distintas añadas, así como las borras de los mismos, con la finalidad de trabajar diferentes tonos y texturas. Debido al carácter especial y a la variada permanencia de los ingredientes que usa, su propuesta resulta en una obra viva donde todas las acuarelas sufren cambios de color a medida que van envejeciendo, como los buenos vinos, hasta su estabilización. 

Esther Roca Olivieri (Mallorca, 1970). Tras su paso por la Escola Superior de Disseny de les Illes Balears y la Escuela de Arte Superior de Diseño Vitoria-Gasteiz, y titulada en Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño, en la especialidad de Ilustración, desarrolla su faceta artística trabajando con acrílico, óleo y acuarela, hasta que en 2013 se define por utilizar únicamente pigmentos naturales. Su afición a la enología la lleva a analizar el comportamiento de los pigmentos obtenidos durante el proceso de elaboración del vino. Trabaja con vinos tintos, blancos y los subproductos obtenidos en su elaboración. Ha participado con sus obras en la Nit de l'Art de Felanitx, en la Fira de Llucmajor (467 Edición) y en la Feria de Artesanía y Turismo rural en el Bierzo Alto (León). Actualmente prepara su próxima exposición para la Fira de Maig de Campos.

Ferran Aguiló

ferranaguilo.org

La obra de Ferran Aguiló hace que ciertas etiquetas y conceptos artísticos queden vacuos, irrisorios. Se podría emparentar con el arte povera por el uso de materiales pobres como la lana o el plástico, o hablar de la modernidad implícita en el uso de materiales “extra artísticos” que se dio en los años 60 dentro de la línea rupturista con la escultura tradicional, aquella escultura de pedestal, asociada a materiales nobles y a la idea de monumento; incluso se podría hablar de la ecología implícita en el gesto de reciclaje. Pero todo ello poco nos diría de la obra de este artista.

El hecho de que los materiales de sus esculturas sean casi siempre objetos encontrados se aleja de aquel gesto irreverente inaugurado por Duchamp i no responde tampoco a una voluntad expresa de reciclar, sino a una necesidad, la de crear. El uso de hierros, tuberías, somieres o lana en la obra de Ferran Aguiló es tan sencillo como que están allí, como la palmera en el corral o las cañas junto a la alberca. El arte de Ferran Aguiló simplemente ocurre, y en tanto que necesario –es decir, auténtico-  rehuye discursos superfluos.

En este sentido tampoco se puede hacer por lo general una clara distinción entre obras figurativas y obras abstractas. El conjunto de su obra trasciende estos clichés porque en ella todo se mezcla: el grito sale del árbol, el círculo es también una sombrilla... La misma idea de cosmos está en una hoja de palmera que en el aparente vacío del círculo, en una raíz que en la inmensidad del cielo estrellado. El arte de Ferran Aguiló no es mental, sino que apela a la consciencia. Desde la emoción invita a la reflexión, a demorarse: aque demorarse que, en la experiencia estética, hace que nos conectemos con la eternidad, que nos da una cierta idea del mundo, la que cada cual quiera encontrar.  

Ferran Aguiló (Palma, 1957). Desde mediados de los años ochenta forma parte de numerosas exposiciones colectivas y viaja a Chicago (Art Chicago ’95 con la galería Altair), Croacia (Mediterranea n2. Arte fira la rive. Dubrovnic, 2001), Corea (Una faceta del arte contemporaneo español, Seul, 1992) Amsterdam (Kunst Rai ’89, con la galería Ferran Cano) y Suiza (Art Basel ’89 y ‘90; con la galería Ferran Cano). Además, durante siete años consecutivos participa en ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo), mientras su presencia se hace habitual en los espacios de arte de Mallorca y la península. Sus exposiciones individuales también tienen una gran acogida en estos espacios. En el año 2010, el Casal Solleric de Palma presenta la retrospectiva de toda su obra: Ferran Aguiló. Escultures 1986-2010. Su última exposición,  Biometries, tiene lugar en 2013, en el Espai d'art 32 de Pollença. También ha trabajado como escenógrafo para Iguana Teatre, la Companyia de dansa  Maria Antònia Oliver y el Teatre Principal de Palma.

Francesc Bonet



Francesc Bonet (Ses Salines, 1962). En Quatre Mots (Ses Escoles Velles. 2001, ses Salines) se resumen cuatro series tratadas por este artista: la música, los primitivos, los relojes de sol y las inscripciones de na Pelada. En Vora  nostra (Galería Matisos, 2002, Colonia de Sant Jordi) se reproducen los grafitos hechos en 1930 en na Pelada, por el patrón Rafel de Can na Herrera. Sant Blai (Oratori de Santo Blai, 2003, Campos) es una instalación inspirada y presentada en su propio entorno. Por un lado, se tratan los grafitos que tiene la fachada del Oratori y, por otra, se hace un homenaje a los molinos que fueran, en otro tiempo, amigos inseparables de este lugar. La exposición Génesis (Casal Can’n Prohens. 2007, Felanitx) nace de la inspiración de unas pinturas en las paredes de una vieja iglesia. De los manuscritos que cuentan la historia de Ses Salines, del inicio del andar de un pueblo, surge la instalación “Luz de génesis” (Església Vella. 2008, Ses Salines). Amphora (Asador Es Teatre, 2014, Ses Salines) aborda la interrelación de las diosas greco-romanas con las formas de las ánforas. Además, en 2004, Francesc Bonet trabaja como diseñador para la Agencia suiza Universal. En el 2006 lo hace como o ilustrador del libro Poemes de la Piscina, de Miquel Àngel Lladó Ribas (Editorial El Corte. Premio especial del Certamen Literario Santo Blai, con el trabajo el Arte a Santo Blai).  

Gabriela Meunié


gabrielameunie.com



Mi trabajo se centra en cuestiones de la identidad y de la sociedad. Mi historia personal, mis experiencias y emociones son todos los prismas a través de los cuales se difracta la sociedad de consumo. Me interesa la confrontación entre mundos, las diferentes clases sociales, conflictos generacionales o de géneros. Intento desarrollar un lenguaje visual minucioso, a través de formas y colores que hacen emerger creaciones únicas y evocadoras con el fin de provocar la reflexión y los sentimientos del espectador. Para realizar mis proyectos, practico diferentes tipos de disciplinas: pintura, escultura, instalación, empleo una gran variedad de materiales y diferentes técnicas, para dar vida al infinito espectro de mi imaginación”.

Gabriela Meunié (Mallorca, 1987). Vive y trabaja en Burdeos. Se formó en la Escuela Superior de Artes Massana (Barcelona) y en la Escuela de Bellas artes de Barcelona (2008), en la especialidad de pintura. Ha realizado varias exposiciones individuales, entre las que destacan las del café del Sol (Barcelona, 2008), galería La Esquina (Palma, 2009), Can Manresa (Santanyí, 2010) o la de la galería L'Ombilical (Burdeos, 2013). Ha participado en varias exposiciones colectivas en diferentes lugares, como el casal Balaguer (Palma, 2006), Es Teatro (Mallorca, 2011), galería Sadnha Studio (2011), galería Kuryos (Burdeos, 2012) o Las Vivres d'Art (Burdeos, 2012), entre otras.


Horacio Sapere


horaciosapere.es



¿Como se puede asir el universo? La agonía que produce la negativa a esta cuestión lleva a Horacio a trabajar y trabajar desde diferentes ángulos para neutralizar la respuesta: tiene que haber maneras de captar el mundo, la escalera a ninguna parte -el infinito?-, la montaña sagrada, el poeta que lee desnudo ante el espejo... ninguna obra particular lo llega a asir. Tal vez la única forma de aprehender el universo que tiene el artista es -como apuntaba Eric Devlin- desde la óptica de “la tierra es azul como una naranja”. Esta verso de Paul Élouard explica muy bien la producción multidireccional que un artista de una trayectoria tan amplia como Sapere puede llegar a realizar. Con el trasfondo de la incertidumbre de aprehender el universo como único hilo conductor, pasando por la irracionalidad de un argumento aparentemente surrealista sabiendo, pero, que es el único camino posible si algún día se quiere llegar a captar todo y darle un sentido. Hubiese podido hacer como otros artistas que optan por capturar un fragmento, un detalle, pero la visión poética del todo le impide limitarse al detalle y, pasando por filtro traidor del cerebro -de ahí que cortase cabezas en un momento dado en sus pinturas- lo intenta, una y otra vez, dando como resultado una ingente cantidad de obra que -independientemente del tema y formato- siempre nos remite al milagro de la realidad. El poeta que pinta -las palabras no bastan- sabe que todo es un milagro y cuan conectado está. 

Horacio Sapere (Buenos Aires, 1951). Vive y trabaja en Mallorca desde 1975 y desde 2011 estudia en Nueva York.  Artista intenso y comprometido, desarrolla su proceso creativo a través del teatro y la performance (1970-1980), la poesía visual (1976-1982), la pintura y la escultura. Creador de grandes proyectos como Poet's room (1995), presentado por primera vez en la Galería de BMB de Amsterdam (1996), en la UIB -Universitat de les Illes Balears- (1997) y en la Sala de Cultura Sa Nostra de Eivissa (1998); y como instalación poética escultórica en el MEIAC de Badajoz (2000), la Casa Fernando Pessoa en Lisboa (2001), La Lonja de Palma (2005) y el festival de poesía en el Mill Cosmopoética Sant Antonio de Córdoba (2005). Como continuación de este proyecto crea Poet's room: Teorema (2009) y se presenta en el CCE de Montevideo, en el Museo Frost de FIU de Miami, y en el Centro Cultural La Misericordia de Palma (2009-2011). En 2002 realizó la escultura Pada amb cases ubicada en la rotonda de la entrada de ses Salines.

James Lambourne

jameslambourne.com



Nacido en Inglaterra pero residente en Mallorca des de los cinco años de edad, James Lambourne (Londres, 1956) ha creado su trabajo en estrecha relación tanto con la naturaleza como con las tradiciones mediterráneas herméticas. Observar la naturaleza es la base de su creación artística, la creación de una iconografía y un lenguaje personal que nos conecta con las formas y los colores de su entorno. A través de su contacto con la naturaleza el descubre elementos, objetos que, como un tesoro, guarda en su estudio para usalos más adelante como referencia para crear nuevos símbolos o elementos de su imaginario personal. 

Jaume Canet

jaunmecanet.com

Jaume Canet consigue dotar al hierro de una sensación de ligereza, tal vez por su inclinación hacia formas vegetales y orgánicas, formas supuestamente antagónicas a la rigidez del hierro, que el artista sabe dotar de una naturalidad insólita: flores, higos, árboles, medusas y todo tipo de animales -como pudimos ver en su reciente exposición “El bestiario”, inspirada en las figuras del libro homónimo de Apollinaire- toman vida propia bajo las manos de Canet, quien ha creado un estilo propio caracterizado por las líneas sinuosas y las composiciones harmoniosas, con predilección por la temática vegetal y animal, aunque podemos encontrar otros tipos de piezas más controvertidas como crucificados. Sus crucificados, pero, no sufren, sino que gozan de la misma alegría que los peces, los higos y las flores, la alegría de la línea curva, del objeto que se sabe estéticamente encantador. Sus piezas oscilan desde el trazo esquemático -como encontramos en los mismos crucificados, o en algunos animales del bestiario- a un detallismo minucioso -como podemos encontrar en algunas de sus flores o en algunos de los elementos de sus bodegones- que obliga al espectador a hacer el esfuerzo de recordad que son de hierro para no darles un mordisco. Aunque en el caso de las figuras menos detalladas, con su aire ingrávido, también es fácil olvidar su naturaleza metálica. Este es el sello de Jaume Canet, quien, sino, haría un paisaje con hierro? 

Jaume Canet Adrover (Felanitx, 1966), realiza esculturas y otros trabajos en hierro desde la década de los años 80. Entre sus exposiciones individuales destacan la realizada en el Celler d'art Salvatgí Serrano en Blanes (1986), diversas exposiciones en Call Vermell, Felanitx (1987, 1994 y 1996), en la Torre de ses Puntes, Manacor (1992), Arbres en la Casa de Cultura de Felanitx (2004), “Més arbres” en la Fundació Àngels Planells, Girona (2005), El bestiari d’Apollinaire vist per Jaume Canet, en la Església de l'antic Hospital en Campos (2013) en el marco de la “Artnit Campos” y Arqueologia del present – Cala Bràfia – S'Algar en la “Nixt de l'art” de Felanitx (2013). Ha participado en exposiciones colectivas, como 4 instalacions al Parc de la Mar (Palma) i Camins II en la Fundación La Caixa (Girona) en 1987, en la galería Joana Kunstman, Cas Concos (1995), en la sala Pelaires, Palma (1998), “Cayendo del cuadro” en la Sala Kunstkanzlei en Viena (2001), Erotisme a la plàstica contemporània a les Illes Balears, itinerant Illes Balears – Barcelona (2002), Galería Espai. Cas Concos (2002), Sitzen-istzen-zen ist-in zest. Kunstkanzlei, Viena (2003), Art emergent II, itinerante Illes Balears-Barcelona (2004) o On roman l'esperit en el Casal Solleric, Palma (2010), entre otras. Entre otros trabajos cabe destacar la realización de las gárgolas para la escuela Es Lledoner de Felanitx y de la fachada de las bodegas Ànima Negra, ambos trabajos realizados el año 2007.


Julià Panadès

juliapanades.com 



La obra de Julià Panadès se materializa en formatos muy diversos como el collage, la instalación, la escultura o, incluso, el tapiz. Sin embargo, ha creado una iconografía y un sello propios que otorgan unicidad a esta producción multidisciplinar. Como dice el artista, la identidad t el misticismo son los pilares de su obra y, a partir de ahí, juega con diversos elementos que a menudo se repiten y se reelaboran. Elementos simbólicos como la trenza o la pirámide, otros extraídos de la naturaleza, presentes normalmente en sus bodegones – unos bodegones muy particulares que remiten, por un lado, a los ritos propios de las religiones y, por otro, a la tradición de la historia del arte-. Se trata de bodegones realizados con objetos cargados de simbolismo, generalmente combinados con alguna fotografía. En este sentido el bodegón se puede emparentar con el altar casero o el bodegón particular que la gente tiene en su casa junto a los retratos de familiares, con velas y otros objetos.

Los retratos fotográficos son uno de los elementos más característicos de su obra: rostros retocados, recortados, descontextualizados... fotografías, con frecuencia en blanco y negro, de familiares y de otras personas. A través de estas imágenes reflexiona sobre la fragilidad de la idea de identidad, en un mundo donde “todos somos uno” o “todo es energía”, como versan algunas de sus series. La mística que yace tras cada una de sus piezas sea tal vez el sello de este joven artista, una mística ligada a la New Age, que se fundamenta en la consciencia de unicidad con el cosmos, en la idea de alma que perdura más allá de la vida física, en la práctica de la meditación y tiene muy presentes los avances de la física cuántica en relación a la espiritualidad.

Sus collages se caracterizan formalmente por una riqueza compositiva marcada por la contención en el número de elementos, siguiendo la máxima de Mies Van der Rohe less is more, que no es casual ya que Panadès combina la práctica artística con el diseño gráfico, disciplinas que no están separadas de su quehacer sino que ha unido en una perfecta simbiosis. Al fin y al cabo, “menos es más” también es una máxima zen.


Julià Panadès (Palma, 1981) es graduó en Arte y Diseño (2005) y en Il·lustración y Animación (2008) en la Escola d'Art i Superior de Disseny Serra i Abella de Barcelona, y posteriormente realizó dos ciclos de Publicidad y Relaciones Públcas en la UPF de Barcelona. Trabajó un año en Shangai en el ámbito del diseño gráfico. Su trabajo ha sido seleccionado en diferentes premios, entre otros, el de animación “Xinacità” (Barcelona, 2007), “Ink 01: Encuentro Internacional de Ilustración” (Bilbao, 2008) o el Premi Ciutat de Palma Antoni Gelabert (2009). Ha publicado trabajos en revistas nacionales e internacionales, como SpunkArt Mag, Clone Magazine, Neon Magazine o Absolut Network. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en la galería Addaya, en la galería Fran Reus, en el festival Cultura a Casa y en la recientemente inaugurada “Tábula rassa” en Es Baluard.


Mariana Sarruate

marianasarruate.com



“Desde su itinerario creativo, apunta icebergs en forma de acertijos que contienen trazas de estética, ironía y banalidad. Atraviesa lo bello como experiencia y estado físico hacia el éxtasis, llega hasta el sexo, lo religioso, la muerte y la existencia, y nos deja suspendidos del péndulo que oscila sobre la caja negra de sus imágenes. Si nos sumergimos en ellas, vemos su superficie desde el interior y viceversa, binomio indisoluble de una unidad por la que circular en todas direcciones. El fondo de algo es un misterio sublime directamente proporcional a su apariencia.

La experiencia personal de la belleza, puede llegar a ser un tránsito hacia lo místico y trascendente desde y con lo corporal. Para ello, hay que tomarse el tiempo de mirar la obra y que la observación sea una experiencia de contemplación que nos permita ver.”

José Antonio Delgado en Variaciones y Milagros, cat. De exp. Galeria Addaya, julio-octubre, 2010.

Mariana Sarraute (Buenos Aires, 1971). Licenciada la Facultad de Bellas artes de Barcelona en la especialidad de pintura (1996). Ha realizado residencias a través del GlogauAir - Artist in Residence Programme, Berlin (2007 y 2008) y de Addaya Centro de Arte Contemporáneo (Alaró, 2010), galería que la representa y que la ha traído a varias ferias de arte como la Contemporary Arte Fair de San Diego (EE.UU., 2011) o a la feria de Arte Emergente de Madrid (2011 y 2012). Ganó el premio Rey Jaume I de Artes Plásticas de Calvià (Mallorca, 2006) con Mysthics Souvenir 06; y quedó finalista en el premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert de Artes Plásticas (Mallorca, 2007 y 2009) y en el XVII Premio Ciutat de Manacor de Artes Plásticas (Mallorca, 2010). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en el Centro Cultural La Santa (Barcelona, 1996,1997, 2005); en el BAC del CCCB (Barcelona, 2003, 2006, 2009); en Iguapop Gallery (Barcelona, 2007), el Centro de Arte Sano Cuartera de Inca (Mallorca, 2012) o en la galería Aldo de Sousa (Buenos Aires, 2012). Entre las exposiciones individuales destaca la del CCCB (1998) dentro del ciclo imágenes del Arrabal, en la Sala Pequeña de La Capilla (Barcelona, 2003); Variaciones y milagros en la galería Addaya (Alaró, 2010); El amante Dormido (Buenos Aires, 2012), o God Air en el Centro Cultural Son Tugores (Alaró, 2013).


Miquel Mesquida

miquelmesquida.com




Miquel Mesquida empezó a pintar relativamente tarde pero su obra en pocos años ha alcanzado una profusión desbordante. Y es que esta es su manera de crear: compulsiva, desbordante, visceral. Diversidad de soportes, temas y técnicas siempre responden a esta imperiosa necesidad creadora del artista, casi urgente. A menudo esto se refleja en sus pinturas, con un aire expresionista, expresionista en el sentido no tanto deudor del movimiento alemán de principios del siglo pasado – que en cierta manera seguramente todos los expresionismos posteriores le son en parte deudores- como en la necesidad de expresar. Cuando la necesidad de expresar se manifiesta con urgencia el resultado suele ser de tipo expresionista. La mayor parte de la producción pictórica de Mesquida responde a este postulado. Otra característica que se encuentra a menudo en su obra es la presencia de texto, mayormente escrito con lápiz, de palabras nunca fortuitas.


Sin embargo, no se puede calificar toda su producción dentro de un estilo. Encontramos obras más pausadas, más reflexivas, como las pertenecientes a la serie I dreamed God exist but... is blind (Soñé que Dios existe pero... está ciego), con tendencia a la monocromía de colores claros. También en las esculturas se ralentiza forzosamente este ímpetu en pro de una reflexión y un acabado más minucioso, como en la reproducción en gran escala de los dedos de Dios y de Adán reproduciendo el episodio de la creación de la Capilla Sixtina, o en el trabajo meticuloso y artesanal del arca de Noé realizada con maderas.


Sea como sea, el artista trabaja en series en las cuales vierte todo su ser, siempre hace referencia a temas humanos, algunos más personales (Initium), otros extrapolables a la condición humana, en el que abunda el tema de la religión.


Miquel Mesquida Sansó (Manacor, 1954), de formación autodidacta, hace relativamente pocos años que expone su obra, la cual ha emergido con fuera y gran acogida en el mundo del arte. Entre sus exposiciones individuales podemos destacar: Fragments. Torre de ses Puntes, Manacor (Mallorca, 2005), Paradís perdut, Claustre de Son Tugores, Alaró (Mallorca, 2007), “Porta a l’avern”. SACMA. Sala per l’Art i la Cultura de Manacor, Manacor (Mallorca, 2009), “Retrospectiva 2005/2009”. Galerie Im Velhornhaus (Alemanya, 2009), Berlin-Retorn a la Memòria, Berlin-Rückkehr zur Erinnerung. Galerie Sievi, Berlin (Alemanya, 2009), Sofismes, Can Gelabert, Binissalem (Mallorca, 2009), Personatges, Galerie der Moderne, Berlín (Alemanya, 2010), Va de vi (2001-2010). Museu d’Història Torre dels Enagistes, Manacor (Mallorca, 2010), Initium, Can Prunera Museu Modernista, Sóller (Mallorca, 2011), Pulverem reverteris, Centre d’Estudis Catalans de La Sorbonne, París (França, 2011), La conquesta dels somnis, Calllas, Viena (Aústria, 2011), Mesquidiades, Espai d’Art Miquela Nicolau. Felanitx (Mallorca, 2013), Buonarroti, la genialitat de l’esperit, Nit de l’Art 2012, Aba Art Convent de la Missió. Palma, In Pulverem Reverteris... Galerie Der Moderne. Berlin (Alemania, 2013), I dreamed God exist but is...blind, Galeria Dionís Bennàssar, Pollença (Mallorca, 2013). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, su obra forma parte de diversas colecciones como la de Can Prunera o la de los ayuntamientos de Palma, Manacor, Capdepera y Sa Pobla.


Nanci Fernández

nancifernandez.com



Desde 2004 realiza trabajos de cerámica a partir de diversas técnicas aprendidas a través de los cursos de formación que ha realizado pero siendo sobretodo una artista autodidacta, a la que le gusta experimentar, inventar, crear sin límites.  Las piezas surgen con la idea de que la materia sea el elemento predominante en todas ellas y así expresar lo que la obra quiere transmitir, tierra, naturaleza, fuerza, materia…”

Nanci Liliana Fernandez (1967. Santa Fe, Argentina). Licenciada en Arquitectura por la Universidad Nacional del Litoral (1996), donde dedicó su vida profesional a ejercer su profesión. Reside en Mallorca desde 2000. Cursa estudios en la Escuela de Oficios Artesanales de Sa Gerreria a partir de 2003 y realiza diferentes cursos: en la Feria del Barro en Llucmajor (2003); sobre urdido con Evelio López; con Ramon Fort sobre terras sigiladas y diferentes técnicas de decoraciones con humo (2007); con Anima Roos, realiza un curso de porcelana en Huesca (2009). Durante 2008 hasta la fecha, ha participado en la Exposición Colectiva SOM 3 en la Galería Masters Art Galeries; en Can Peri Ignasi de Campos y en Iglesia Vieja de Ses Salines (2013); con Jorge Cabral en la Exposición  Mujeres+Caprichos, espacio Arteartesanía, Soller, (2013); en la Exposición Women 10, Paris (2012); en la Exposición Nous Les Femmes, Escuela de Moda ESMOD, Parí s (2011); y en la exposición colectiva Nosotras, ses Salines (2010), entre otras.


Pep Bonet y Rafel Creus

pepbonet.com

Pep Bonet (Colònia de Sant Jordi, Mallorca, 1974). Fotoperiodista  y video-realizador, cuenta con diferentes e importantes premios internacionales en su haber, además de un reconocimiento por sus encuadres, enfoques forzados y perspectivas imposibles. Constante viajero, ha documentado numerosos desequilibrios e injusticias a lo largo y ancho del planeta. Parte de sus trabajos los ha realizado en África, uno de los más conocidos Fe en el Caos, sobre la posguerra en Sierra Leona. También pasó tres años (2008-2010) en la carretera para hacer un completo reportaje sobre la banda de rock Motörhead. Trabaja en proyectos fotográficos personales, incluyendo video, y realiza trabajos por encargo de clientes o de ONG´s. Con frecuencia da conferencias sobre Fotografía y conduce workshops. Entre los premios más destacados, ganó en 2013 el World Press Photo en la categoría multimedia, por su trabajo Shadows, donde documenta la vulnerable oscuridad de la ciudad de Johannesburgo (Sudáfrica). En 2007 y 2009 obtuvo el 2º premio de este mismo galardón. Fel de Terra es su último trabajo, un documental que codirige con Rafel M. Creus, y que retrata Mallorca desde “crudas” experiencias personales.

Rafel M. Creus (Campos, 1966). Actualmente, junto a Pep Bonet, codirige y es guionista del documental fel de la tierra, en rodaje (2014). Es licenciado en Derecho (UB) y Máster en Periodismo y Comunicación (UAB-UIB). Ha completado su formación estudiando Guión Cinematográfico en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños, en Cuba. Profesionalmente, ha trabajado en prensa escrita, radio, gabinetes de prensa y, mayoritariamente, en televisión. Ha recibido varios galardones por sus guiones, relatos y poesía. Fue Subdirector de la cadena Televisión de Mallorca (2007-2011), y editor y presentador del informativo mediodía de esta cadena (2006). Ha dirigido, presentado y guionizado el programa semanal Enxarxats (Televisión de Mallorca) y el programa musical en directo Riff (Telenova, 1997-2000). También fue guionista y presentador de la serie Luz de Mar (TVE. 2006) y guionista de la serie de ayuda humanitaria Con el Corazón (TVE, Telenova, Canal 4. 1999-2000), entre otros. Además, ha participado como director-guionista en los audiovisuales de las tres primeras ediciones del Festival Internacional de Poesía de la Mediterránea (1999 a 2001), y como guionista de los vídeos biográficos Josep Melià, el último testigo; Damià Huguet i Blai Bonet según BLAI BONET


Pep Molina

pepmolina.com


Pep Molina (ses Salines, 1964) A partir de 1983 colabora con pequeños dibujos en la revista local Jussana, pero no es hasta los años '90 que empieza a emplear la espátula y el estuco a la cal. Esta herramienta será su preferida más tarde para sus pinturas. En el año 2007 le llega la inspiración visitando el taller de un famoso pintor afincado en ses Salines, quien le da un sabio consejo: “Pinta, pinta mucho que ya saldrá algo”. Aquel mismo año se inicia en el mundo de la fotografía haciendo miles de fotos por todas partes… Retocando y haciendo fotografías surge la idea de presentar una obra al certamen de pintura Vila de Ses Salines, en 2010, año en que empezó a pintar más seriamente. su inspiración sale disparada y empieza a pintar de verdad. Cartón, espátula, pinceles, acrílico, papel, lápices de colores, son los materiales que le gusta utilizar. Los años 2011 y 2012 expuso en el Hotel Ca'n Bonico de Ses Salines. Ha participado con sus obras en las dos ediciones de  ArtNit Campos y en 2013 expuso en el Asador Es Teatre con Francesc Bonet.


Pere Capellà



Pere Capellà tiene un don con el pincel, un don que Guillem Frontera definió muy bien a propósito de su exposición La fira dels folls (2007): “mirar de hacer sencillo lo que es complejo, de decir el mayor número de cosas con el menor inventario de elementos”. La economía de medios alcanza su máxima expresión en el caso de nuestro artista: agua y pigmento. El dibujo que acompaña este texto es un claro ejemplo de este postulado, donde un solo color, el negro, con la riqueza de matices que le da la técnica de la acuarela, consigue aparar todo un mundo. En una figura -la abuela- que, además, nos da la espalda, todos reconocemos algo familiar. De esta manera la hacemos nuestra o, más bien dicho, sentimos que ya lo era y el artista lo ha captado, como quien no quiere la cosa, como si de una instantánea se tratara. Es más, da la sensación que cada personaje ha sido robado de su contexto particular- un contexto que nos es propio- para ir a colocarlo sobre la hoja en blanco. Así, Pere Capellà retrata lo que es nuestro sin necesidad de retratar -fíjense en que sus personajes no enseñan el rostro- y es porque es capaz de extraer lo que hay de general en cada particular y de imprimir un carácter particular cuando plasma algo general: una abuela, la señora del bar, el oso de peluche... permanecen sobre la hoja en blanco sin darse cuenta de que están ahí, llenándolo todo con sus reverberaciones vitales: no aceptan contextos nuevos porque traen implícito su propio contexto.


El mérito del artista, pero, no radica tanto en la su capacidad de captar y plasmar ciertos arquetipos de nuestra sociedad como en la facilidad con que lo hace: la elegancia del gesto hace que cada personaje y su reverberación -algo complejo- parezca caído del pincel como una gota de agua que, esparciéndose, alcanza tal o cual forma, como cuando vemos en las nubes figuras diversas. De esta manera los personajes de este artista entran en una aparente contradicción: su presencia contundente que reclama el resto de la hoja en blanco para que resuene todo aquello que está implícito se ve aligerada por la transparencia del agua dada por la técnica de la acuarela, adquiriendo un aspecto un tanto etéreo, como en una danza entre lo denso y lo sutil, entre materia y espíritu, entre presencia y esencia.

Pere Capellà-Simó (Palma, 1981) vive y trabaja entre Palma y Barcelona, desde donde combina la práctica de la pintura con la investigación en el campo de la historia del arte. Individualmente ha presentado, con distintas itinerancias, los proyectos expositivos Llençols estesos als balcons (2004-2005) y La Fira dels folls (2007-2009). Su obra ha ilustrado los textos de Ramon Llull, Cant de Ramon-Lo Desconhort (Ensiola, 2005), Pere Capellà, Val més un dit en es front (UIB, 2007), Pau Vadell, Sadoll de seny (El Tall, 2008), o August Bover, Cloc! (Arola, 2011), entre otros autores. En el campo de recerca, es autor del libro La ciutat de les joguines. Barcelona 1840-1918 (Gregal, 2013). Desde el año 2011, es profesor del área de Expressión Plástica del Departamento de Pedagogía y Didácticas Específicas de la Universitat de les Illes Balears.

Rudy (Rudolf Schwizgebel)

rudyschwizgebel.com

Rudolf Schwizgebel (Wetzikon, Suiza. 1949)  Arquitecto, especializado en la universidad de Bellas Artes de Zürich en Diseño Industrial. En 1975 abre su propio gabinete hasta 1986, cuando se muda a Ses Salines y se despide de su profesión.  Desde su primera exposición en 1970, realiza más de cuarenta  exposiciones individuales y colectivas, en Suiza y en España. A partir de 1995 se dedica también a crear esculturas, y obtiene algunos encargos por parte del municipio (Vela en honor de Jordi Calafat / Grumet de Sal). En 1997 saca a la luz su primera obra con caricaturas Los alemanes de Mallorca; y en los años siguientes los libros Ajuntament bona nitLos rasputifos, El rosario de escándalos y corrupción,  y Los suizos de Mallorca.

Salinautas

Lluís Oller (Barcelona 1981) y Mary Lambourne (Valldemossa 1982), licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y músicos.

Durante sus estudios en la especialidad de imagen –vídeo y fotografía- crean el grupo audiovisual Pelai de la Frontera, establecido en la calle Pelai de Barcelona, un colectivo especializado en la realización de vídeo-creaciones, documentales, vídeos promocionales, videoclips, spots, grabaciones y reportajes que tratan procesos de creación artística y eventos relacionados con el mundo de las artes plásticas y escénicas. 

Desde 2003 han combinado la actividad de Pelai de la Frontera con sus proyectos artísticos. Su trabajo parte siempre de la fotografía, la música y el vídeo, que quedan relacionados en imágenes en movimiento, donde es de gran importancia el control del tiempo. Creaciones donde convergen artes espaciales y temporales para describir una idea, una dimensión donde transmitir un mensaje en movimiento. 

El concepto de documental, o las bases del género documental, también es una constante en su proceso de creación, todo nace partiendo de una realidad en síntesis, para captar la esencia y transmitir el espíritu, el significado y la filosofía de cada mundo.


Sebastià Portell

sebastiaportell.com

Sebastià Portell (Ses Salines, Mallorca, 1992). Dramaturgo y escritor. Es estudiante de Publicidad y Relaciones Públicas en la Universitat Pompeu Fabra, y de Lengua y literatura catalanas a la Universitat Oberta de Catalunya. No obstante su breve trayectoria, ha escrito y estrenado, entre otros, Entre tu i jo, gris (Coincidencias Teatro, 2010), una obra hecha a partir de un libro de cuentos del mismo título, en el Auditorio de Alcúdia, y Un torrent que era la mar (Maror Teatro, 2012-2013), ganadora del VIè Premi de Teatre Breu Inícia't de Badalona y publicada por la editorial Pont del Petroli en noviembre de 2013, en el Auditorio Municipal La Esponja de Ses Salines. Además, también es autor de La mort de Na Margalida, cançó de tristesa de l'illa de Mallorca (Lleonard Muntaner, 2012), finalista del Premi de Teatre Mediterrani Pare Colom d'Inca 2012 y mención especial al XVè Premi Boria-Òmnium de Teatro. Sus artículos y relatos han sido publicados en diarios y revistas como Núvol, el digital de cultura, Pèl Capell, Microcosmos, Ressò y Dies i Coses, entre otros, y ha participado en varios recitales y actos literarios, como el ciclo poético con motivo del XVè aniversario de la muerte de Blai Bonet (2012), organizado por el colectivo Pèl Capell, o los recitales Festa del(s) llibre(s) (2012), Cap paraula (2013), Llengua d'espart (2013) y En lloc d'adorar la vida (2013), del cual se publicó una plaquette con el mismo nombre, firmada junto con los poetas Lucia Pietrelli y Pau Vadell i Vallbona. Dirige el espectáculo Com Elles, amb Odile Arqué, Mireia Vidal-Conte en Marc Romera a La Seca Espai Brossa, Barcelona (2014).

Tatiana Sarara

tatianasarasa.com

Tatiana Sarasa Frieling (Barcelona, 1966). Licenciada por la Facultad de Bellas Artes Sant Jordi de la Universidad de Barcelona (1992). Realizó talleres intensivos en Eina (Escuela de diseño y arte) con  Antoni Llena y Joan Hernández Pijuan (1989 i 1990). Cursó estudios durante 6 meses en el departamento de Bellas Artes del Centri for the Arts and Contemporary Studies de la Leeds Polytechnic de Inglaterra. Desde 1992 vive y trabaja en Mallorca. Ha impartido los talleres didácticos Laboratori d'ombres en la Fundación Pilar i Joan Miró (2005) y “Creatividad individual y colectiva” en La Fàbrica de Licors (Palma, 2006). Ha realizado diversas colaboraciones como la ilustración del CD de Jaume Anglada “Otra canción de carretera” (2006), con Camper (Artist Twins i Handbag, colección invierno 2006-2007), así como diversas escenografías.

Entre sus exposiciones individuales destaca I shop, you shop, we shop en la 3 Punts Galería de Barcelona (2000), Dots of ilusion en la galería Portals, Mallorca (2003), Fashion Pasion en Del Cactus a Palma (2004), Dear Deer en casal Son Tugores de Alaró (2006), Follow the pattern en Can Fondo, Alcúdia (2008) o “Tejiendo para Virgina Wolf” en la galería Lluc Fluxà, Palma (2012). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas como la de los Premis Rei en Jaume en Calvià (2000), Espai domèstic en Sa Quartera Centre d'Art, Inca (2001), “Exit 2” en el Casal Balaguer a Palma (2001), IX Premi Ciutat de Manacor (2002), “En Projecte” en la Torre de ses Puntes de Manacor (2003) y en el Espai Mallorca, Barcelona (2004), “Sueños y pesadillas” en el Centro Cultural de Andratx (2004) y en la exposición itinerante Transferències (Mallorca, Menorca, Valencia y Barcelona 2005 y 2006), entre otras.

Tomeu Estelrich

tomeuestelrich.com

Los trabajos de Tomeu Estelrich (Alqueria Blanca, 1968) se fundamentan en todo un universo que el artista ha ido incorporando a su lenguaje plástico durante años con referencias filosóficas y literarias. A finales de los 80 inició sus primeras exposiciones, en las que destaca la influencia de las  vanguardias históricas, haciendo del paisaje el eje central de su obra. Con claras raíces informalistas su interés por la pintura ha trascendido su carácter meramente pictórico, incorporando la escultura, la instalación y la escenografía al conjunto de su obra.

Aprendre grabado y libro de artista con Mercedes Laguens, gravado calcográfico con Joan Barbarà en la Fundación Miró, escultura y relieve con Estela Videla en el Círculo de Bellas Artes, cerámica con Maria Ramis, performance con Pedda Brorowsky, dibujo con Ricard Chiang, fotografía con Joan Vidal y sigue diversos workshops con Joan Morey.

Entre sus exposiciones podemos destacar  Vitralls o el Rapte de les formes en la Casa de Cultura de Felanitx (1993),  la exposición colectiva de ayuda a Es Refugi en la galería Pelaires (1994), En projecte III en la Torre de ses Puntes, Manacor (1996) y en el Espai Mallorca (Barcelona, 1998), Elles, en el claustro de Sant Domingo, Inca (2006), El jardí de les quimeres, en Can Pere Ignasi, Campos (2007),  Summer collection en el Espai Carcorart (2008), Pvrgatorium en la Església Vella de Calonge (2010), Bikes en La Misericordia, Palma (2011), Sabatart en Kaleuxe, Palma (2012), “Vestidor” con Maria Miró en el Casal Can Pere Ignasi de Campos,  Art Nit (2013), en Caixaforum, Palma (2014). Ha realizado las escenografías del espectáculo Remor (En Blanc, Res de Res) y de “Vivir Soñando” (Jeroni Obrador).

Uschi Burger-Precht

burger-precht.com

 “De vez en cuando tengo la sensación de que he vivido otra vida… En la primera fui estudiante de psicología y filosofía en Munich y Bristol y me especialicé trastornos psicosomáticos de la voz. Trabajando en la Universidad de Kiel, en el departamento de visión clínica me di cuenta de que realmente aspiraba a otros intereses. Buscando posibilidades, más amplias y creativas, me instalé en Hamburgo y trabajé el cine y las artes visuales en la Academia de Arte. El inicio de mi segunda vida se dio tras la necesidad de vivir un cambio completo. El Mediterráneo fue mi destino dónde al vivir una islandlife con dos niños pequeños, alejados de los grandes centros empresariales y productivos, pude centrarme cada vez más en la fotografía. Desde 1990 me establecí como fotógrafo independiente en España. Ahora tengo una vida feliz, con la satisfacción de cumplir con mi trabajo y con mí misma en mi búsqueda por descubrir los puntos esenciales de las situaciones humanas mediante la fotografía.”

Ushi Burger-Precht. En 2013 participa en Art Project Corme (Galicia) y en el ArtNit Campos (Mallroca); Durante 2012, en Arnit Campos (Mallorca) y en el Openin of the Art Museum de Corme (Galicia); En 2011, expone en el International Center of Photography de Nueva York, entre otros. Como fotografa freelance ha trabajado para Spiegel, El País, Iberostar, Air Berlin, VOX, Wallpaper y en numerosas empresas y publicaciones.

                       Xisca Veny

xiscaveny.com

Basándome en las noticias que los medios de comunicación nos hacen llegar, los proyectos en los que trabajo unen ficción y realidad. Para ello la metodología que utilizo se basa en revisar cierta  documentación (archivística, prensa, imagen, etc.) en momentos puntuales de nuestra historia, o hacer uso de la mitología para analizar la ética en nuestra sociedad actual, con la intención de evidenciar cuestiones que nos pueden pasar desapercibidas en el entorno cotidiano, generando de esta forma nuevas lecturas o poniendo en crisis las establecidas. De esta forma en algunos casos, en los proyectos incorporo acciones que me ayudan a crear otras realidades posibles e incidir en nuestros esquemas de conducta habituales para reflexionar con cuestiones obvias.

Licenciada en Historia del Arte por la Universitat de les Illes Balears, y Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, terminé mi formación mediante becas en Grecia y Nueva York. La combinación de estos estudios me han permitido elaborar proyectos multidisciplinares en los que reviso cierta documentación histórica o mitológica para expresarlo con las nuevas tecnologías, de esta forma surge el arte contemporáneo uniendo ficción y realidad generando así nuevas lecturas o poniendo en crisis las establecidas.

 Los proyectos más recientes en los que he estado seleccionada para llevarlos a cabo son los siguientes: Reflecting Women, obra ganadora del 1º Certamen de Instalación artística, Ca’n Prunera, III Festival de Miradas de Mujeres, Islas Baleares (2013). “Miro l’altre” para la Fundación Pilar y Joan Miró en Mallorca (2012), y “Retrobar-se” para la II Bienal de Arte Contemporáneo, Inca, Mallorca (2011), de la que realicé una comunicación y publicación sobre el proyecto en las 1ª. Jornadas de Investigación en Artes Visuales y Educación.  (Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universitad de Barcelona). Además cabe nombrar las exposiciones colectivas en diferentes países del extranjero como Grecia, París, Londres, y Japón, que he realizado en los últimos años.           

Xisca Veny


 Yolanda Adrover

La participación de Yolanda Adrover en Lloc i memòria es a través de un vídeo que se muestra en la exposición “Deu Visions”. Se titula “Perdón por vivir”, muy cuidado, desde una aparente sencillez y -en palabras de Pilar Ribal- inteligencia estética, deja un eco en la conciencia del espectador que va profundizándose a medida que se piensa, multiplicándose en capas y capas de connotaciones, significados, referencias y matices.
Esto se puede extrapolar a toda su obra, que abraza gran diversidad de técnicas – dibujo, escultura, instalación, vídeo o fotografía, entre otras- porque parte siempre del concepto, un concepto muy pensado y muy interiorizado que entonces desarrolla con la técnica más conveniente para expresar lo que quiere decir. A diferencia de otros artistas, el espectador generalmente tiene un papel importante en su producción, se dirige a él explícitamente. Las obras de Yolanda son un puente a un diálogo sin palabras, lleno de guiños y referentes, no exentos de ironía. No en vano, la condición humana es la materia primera de su obra, tanto desde la perspectiva de los diferentes roles sociales (mujer, niño, consumidor...) como desde la vertiente íntima del ser humano, a través de temas como los miedos, la memoria, la soledad... En el primer caso las piezas resultantes tienen un cariz político, movido por la voluntad de denuncia, como podemos encontrar a las obras “Espejito, espejito” (2008) o Padaços bruts (2008). En el segundo caso el resultado son obras más introspectivas y de gran poesía, como “Ángel de la guarda” (2003), “Procesiones íntimas” (2006) o “La casa del aliento” (2007), para citar algunas. A veces en sus obras las barreras se difuminan, la línea entre lo que es íntimo y lo que es social, entre lo que es poético y lo que es crítico, como ocurre en el vídeo “Perdón por vivir”, hecho nada extraño en una producción que no entiende de barreras ni clichés preestablecidos. 

*Ribal, Pilar: Yolanda Adrover. Una secreta rebel·lia, en Bategs, [cat. De exp.], galería Addaya, 2008. 

Yolanda Adrover Vaquero (Felanitx, 1977) se licenció en Bellas artes en la Universidad de Laguna (Tenerife) en 2001 y en 2003 hizo el curso de doctorado Tiempo y lugar de la escultura contemporánea, en la Universidad de Barcelona. Entre sus exposiciones individuales destacan Pre-textos en la galería Ferran Cano (Palma, 2005), “Las formas de la interioridad” en Can Fondo (Alcúdia, 2007), la itinerante Yolanda Adrover, obras 1999-2008 (CC. De Felanitx, Torre de ses Puntas de Manacor, Can Creu d’Inca de Capdepera, 2008), Bategs en Addaya (Alaró, 2008), “XI Edición Copus Efímero” en Can Marqués (Palma, 2009), La textura del silenci en la galería Ferran Cano (2011), entre otras. Ha participado en exposiciones colectivas como “Arte Sacro” en seminario de Laguna (Tenerife, 1999), In Gurugú (Felanitx, 2001), “Situaciones”, encuentros internacionales de arte (Cuenca, 2001), “Mallorca Tropical” en la Bodega de Arte santo Marc (Sineu, 2002), BAC! Centro de Cultura Conemporánea de Barcelona (2002), Premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert d'Arts Plàstiques en el Casal Solleric, (Palma, 2003 y 2006), DEAS BA 2003. Fundación Vila Casas. Espacio VolART (Barcelona, 2003), Atención! Galería Contaminada en la Galería Ferran Cano (Palma, 2004), en varias ediciones del Premio Ciutat de Manacor de Artes Plásticas (Manacor, 2004, 2006, 2007 y 2008), Somnis i malsons en el Centro Cultural Andratx (2004), la itinerante Transferències en  Alcúdia, Sóller, Binissalem, Menorca i València (2005 y 2006), Imatges Raonades en la galería Addaya, (Alaró, 2007 y 2008), F.ARTE en el Museo Can Planes (Sa Pobla, 2011), entre otros.